La Joven Orquesta Leonesa (JOL) acaba de celebrar su encuentro anual, una semana de formación para jóvenes músicos en diversas sedes repartidas por la ciudad, con el colofón final de un concierto en el Auditorio de León. La hermana Vedruna Maragarita Morais fue la impulsora de este proyecto, surgido en 2014 desde la Fundación Eutherpe. por la que, en sus 30 años de historia, han pasado cerca de 10.000 músicos procedentes de 70 países.
En la misma tarde de la final del Mundial, la Joven Orquesta Leonesa (JOL) contraprogramó con el estreno de una obra para violín inspirada en una tragedia persa del siglo X… ¿Cómo lograsteis salir indemnes? Es más, ¿cómo pudo este evento ser todo un éxito, con un lleno completo en el Auditorio de León?
La programación de la JOL se había hecho meses antes y no sabíamos que iba a coincidir con la final del Mundial, menos aún que la jugaría España… En un principio habíamos dicho que el concierto se celebraría a las 20:00 h. pero en el momento de conocer esta coincidencia, adelantamos el concierto y publicitamos a los cuatro vientos el cambio. Nos ayudaron los medios de comunicación y numerosos colaboradores, colocando carteles por toda la ciudad. Con el nuevo horario era posible asistir a ambas celebraciones. Fue un acierto, porque a las 20:15 estábamos ya saliendo del Auditorio de León para llegar puntuales al partido de futbol después de disfrutar de un conciertazo monumental. Las personas que llenaron el Auditorio, previsoras, habían dejado preparado el piscolabis en sus casas para el partido. Escucharon a su orquesta muy leonesa con jóvenes entregados que parecían volar con tanto entusiasmo y altísima preparación. Después llegó el momento de gozar –o sufrir– con el partido de España y Argentina. Y ganamos, ¡qué alegría! Fue una tarde completa y feliz.
Concierto final en el Auditorio de León
La semana de formación y conciertos que organiza cada año la JOL, con el colofón de un concierto final, es hoy todo un acontecimiento en León. Hay que recordar que esta orquesta se creó en 2014 la Fundación Eutherpe. ¿Cómo explicas la consolidación tan rápida de esta iniciativa?
Cuando decidimos crear en León este proyecto fue con el fin de que más niños y jóvenes, estudiantes de diversos instrumentos, tuvieran acceso a la experiencia de hacer música juntos, y para esto hacía falta una orquesta sinfónica. En la provincia de León hay tres conservatorios medios en Ponferrada, Astorga y León, pero no teníamos una orquesta sinfónica que reuniera a los jóvenes músicos, algo que considerábamos una fuente de formación esencial. Se trataba al mismo tiempo de inculcar el valor de la disciplina, del trabajo personal, la constancia y la alegría de superarse con una actitud generosa, buscando mayor estímulo y mejor formación para todos sin olvidar ser una satisfacción más para sus familias y para la sociedad. Por estos motivos fundamentales se creó la Joven Orquesta Leonesa.
Este año nos ha tocado renovar la bolsa de instrumentistas y las solicitudes han superado los 658 músicos de León y España. Estamos muy contentos de haber llega a conjugar disciplina, autoridad, enseñanza de máxima calidad sin regatear nada, intentando colaborar con la cultura musical conquistando un nivel muy alto siempre con amor y entrega sin límites.
¿Cómo es, por dentro, esta semana de formación?
En primer lugar, para que tuviera sentido la iniciativa, sabíamos debíamos conseguir que participaran maestros de prestigio conocidos y admirados por los músicos. Durante tres días, estos profesores trabajan con ellos el repertorio de cada encuentro con un trato de profesionales a profesionales en un ambiente de estudio ordenado, responsable, exigente y serio.
Sesión de formación durante el encuentro mundial de la JOL
Jorge Yagüe se incorporó como director artístico y titular en 2019. Bajo su dirección, la agrupación se ha consolidado como una de las más destacadas del panorama juvenil español. Bien formado en España, con Borja Quintas, y durante cuatro años en Zúrich; antes, alumno de los cursos organizados por Eutherpe para directores, pianistas y joven orquesta. Director de 30 años con mucho talento, experiencia, simpatía, trato exquisito con enorme respeto y fe en lo que puede crecer cada instrumentista sin perder la autoridad ni el amor… Enseñar como hace él provoca una respuesta positiva, segura en su saber que se oye desde el primer Tutti. También se hace visible por su expresión viva, comprometida, con la que tocan después los instrumentistas en los conciertos del Auditorio de León. Impresionante oírlos y verlos. Decía Strawinsky que “los ojos también oyen con tanta precisión como los oídos”. Tenía razón.
Un objetivo central de Eutherpe es “la socialización” de la música, llevarla a todos los rincones de la sociedad. ¿De dónde surge la conciencia sobre esta necesidad?
La Fundación Eutherpe se extendió enseguida llegando a muchas partes del mundo por haber creado una sala para poder dar conciertos. ¡Increíble! Está situada en el colegio Sagrado Corazón, León (Fundación Vedruna Educación). En 1999 no éramos conscientes de que fuera tan grande esta carencia en la sociedad. “Una sala para dar conciertos” era lo que nos pedían tantos jóvenes músicos que participaban en los cursos de música que organizábamos ¿No tenían un espacio para compartir el arte? Nos parecía increíble, pero fuimos viendo que era cierto. Después de 27 años siguen viniendo instrumentistas desde países muy distintos, como solistas o grupos de cámara, para dar conciertos. Ya son más de 9.300 jóvenes de 68 naciones los que siguen ocupando el calendario que tenemos abierto siempre y casi completo para 2028.
En tus intervenciones públicas, relacionas con frecuencia música y valores, o incluso música y espiritualidad. El maestro sociólogo Pierre Bourdieu plantea la relación entre el arte y la acción social como convención (decía por ejemplo que las clases altas escuchan música clásica como símbolo de estatus, igual que beben vino caro y no cerveza). ¿Cómo te resulta a ti, por el contrario, tan evidente, la conexión entre música y elevación trascendental de la persona?
Bourdieu hace un estudio cierto del pasado. Así fue durante algunos siglos, estudiaban música e instrumentos los nobles y se hacían conciertos con orquesta sólo en sus palacios y en las sedes episcopales. La aristocracia sabía que la música era signo de nobleza, cultura, elegancia, clase económica alta y buena educación. Hablamos de grupos privilegiados que heredaban su honor por nacimiento o distinciones prelaticias.
Margarita Morais, presidenta y fundadora de la Fundación Eutherpe
Pero la Iglesia católica, desde los primeros siglos, por motivos muy diferentes, ha protegido las artes como catequesis y las ha considerado un vehículo fundamental de evangelización, oración y contemplación. La música, la escultura, la pintura, la arquitectura, los vitrales… Todo estaba diseñado para alzar la mente y el corazón hacia el Cielo.
San Agustín habla en el siglo V de que la música es una ciencia casi divina y un medio para elevar el alma hacia Dios.
San Gregorio Magno, un monje benedictino que fue Papa entre 590 y 604, revolucionó la música sacra al mandar recopilar, organizar y estudiar los cantos litúrgicos. Lo hacían memorizando las melodías e intercambiando los cantores entre catedrales, conventos y países, temiendo que la música se pudiera olvidar. Aquel bien sagrado –pensaban hasta entonces– no se podía escribir, era imposible dar forma escrita a este arte que utilizaba el hombre con su canto y había sido creado por Dios para elevar su alma hasta Él.
Fue en la Iglesia donde se creó la escritura musical. Un trabajo realizado que duró siglos de estudio y empeño constante hasta conseguirlo. A los monjes benedictinos se les deben los primeros rasgos orientativos, llamados neumas. Aparecen en el año 860 en el Monasterio de San Gallo (Suiza). En muchos lugares del mundo se copió esta escritura maravillosa. A finales del primer milenio, Guido d’Arezzo, también benedictino, en la Abadía de Pomposa (Italia) inventó un sistema para que la música se pudiera leer y cantar con precisión interválica y dio el nombre a las 7 notas como las conocemos hoy. Pero al colocar los rasgos de los neumas (S XIX) en las líneas que estaba experimentando, tuvo que darles un trazo grueso en forma cuadrada porque, de otra manera, los dibujos de los neumas que fueron tomados de la escritura y sus combinaciones eran tan finos que se perdían dentro de las líneas del tetragrama.
Menuda lección de historia… ¿Y en Vedruna? ¿Qué papel ha tenido la música en estos 200 años, desde la fundación de la congregación?
Las Carmelitas Vedruna hemos participado en el cuidado de las artes desde el principio de la fundación enseñando en las escuelas y colegios, siempre que se podía, música, pintura, repujado, labores, teatro, coro, para alcanzar una formación más elevada a la que llamábamos “cultura general”.
Conectamos con esa larga tradición de una cristiandad que amaba, cuidaba y potenciaba el valor de la música dentro de la liturgia y de la vida, como un sendero seguro para hermanar la oración, la belleza y el amor en un abrazo divino, cumpliendo su función más plena, haciéndonos serenos, profundamente sinceros en la oración, en beneficio del alma y de toda la humanidad, acercándonos a lo sublime, a la proporción perfecta de lo sagrado, de la fraternidad…
Sesión de formación durante el encuentro mundial de la JOL
Volviendo a la popularización de la música: ¿Puede ser la música un producto de masas? Es cierto que en la música popular europea contemporánea identificamos a verdaderos genios (de Lennon-Mcartney y Bowie, a Serrat o Enrique Morente). Pero ¿qué piensas tú al ver a chavales abducidos por el trap o el reggaetón? ¿Lo consideras una vía de entrada a la música “de verdad”, o más bien una distracción, o incluso el enemigo a batir?
La música es el arte más poderosamente masivo e influyente de nuestro tiempo y cuando alcanza destreza y talento es digna de valorar y tener en cuenta siempre. Es muy importante y bonito ver cómo surgen estilos diferentes, a veces pasajeros, pero otros perduran por su valor incuestionable. Surgen modos divertidos en épocas y momentos distintos, dando respuesta a una forma y expresión que se va haciendo “moda” demandada entre los jóvenes que responden en bloque. Hablamos de trap, rap, pop, hip hop, rock, jazz, música urbana, reggaetón y muchos más.
Por otra parte, está la música que llamamos “clásica” que no responde a ninguna época determinada y es creada por músicos compositores que pasan por un estudio cuidadoso, exigente, muy importante y difícil como es el conocimiento casi ilimitado de la voz humana, de la música coral monódica, como lo es el canto gregoriano sin acompañamiento de instrumentos, luego, el saber de las posibilidades inmensas de la polifonía en donde coexisten múltiples voces. Y el estudio del contrapunto, en todas sus versiones, hasta alcanzar el dominio de combinar melodías independientes que, juntas, conforman una armonía insuperable que roza la perfección. Y llega el estudio de la armonía, que se basa en comprender cómo interactúan los acordes simultáneamente. Son años de estudio hasta enlazar el conocimiento y dominio de tres puntales, cimientos fundamentales que en la formación del compositor deben conjugarse junto a la intuición, la inspiración y el arte en la libertad original, personal que exige un sólido conocimiento.
Son formas artísticas diferentes porque también lo es su finalidad y cada una llega por distintos caminos, aunque no contrarios, que tienen que ver siempre con la profunda necesidad humana de expresarnos y comunicarnos. Termino con unas palabras del Padre Arrupe: “No me resigno a que, cuando yo muera, siga el mundo como si yo no hubiera vivido”.